2015年9月7日（月）18時半開演（18時開場）
スタジオSKホール（東京都杉並区梅里1-7-7、丸の内線「新高円寺」駅南口徒歩1分） 全自由席／5000円
お問い合わせ tel.03-3992-7256 （菊地）
阿部千春（バロック・ヴァイオリン）＋大井浩明（チェンバロ）
●ビアージョ・マリーニ (1594-1663)：ヴァイオリンのための変奏ソナタ第3番 (1629)
●ジョバンニ・バッティスタ・フォンターナ (1589?-1631)：ソナタ第6番 (1641)
●カルロ・ファリーナ (c.1600-1639)：ソナタ “ラ・デスペラータ”(1628)
●マルコ・ウッチェリーニ (c.1610-1680)：ソナタ第3番 “ラ・エブレア・マリナータ”(1645)
●ジョバンニ・アントニオ・パンドルフィ・メアッリ(1624-c.1687)：ソナタ “ラ・クレメンテ” 作品3-5 (1660)
（休憩）
●アンジェロ・ベラルディ (c.1636-1694)：カンツォーネ第1番作品7 (1670)
Adagio – Allegro – Presto – Adagio – Canzone Allegro – Presto assai
●アレッサンドロ・ストラデッラ (1639-1682)：シンフォニア第6番(1670s)
●カルロ・アンブロジオ・ロナーティ (c.1645-c.1712)：ソナタ第5番(1701)
Largo/Allegro/Largo - Vivace - Largo - Spiritoso - Allegro
●アルカンジェロ・コレッリ (1653-1713)：ソナタ作品5-10 (1700)
Preludio Adagio - Allemanda Allegro - Sarabanda Largo - Gavotta Allegro - Giga Allegro
【使用楽器】
ヴァイオリン：作者不詳 南ドイツ 1700年ごろ
弓 ：ハンス・ライナー製作／ザルツブルクの大聖堂で発見された17世紀後半のオリジナルのコピー
ラトゥール製作／コレッリモデルのバロック弓
チェンバロ ：クラヴサン工房アダチ 2005年製作イタリアン・モデル／ジョヴァンニ・バッティスタ・ジュースティに基づくコピー [提供：石井賢]
プログラムに寄せて──────阿部千春
17世紀は西洋音楽史上、器楽曲が独立したジャンルを確立していった過程を見る上で興味深い時代である。出版業・楽器製作が盛んであったイタリアは17世紀前半に音楽上の革新の源となる。芸術・宗教・政治の最先端をいく憧れの地イタリアは多くの人々を惹きつけ、旅行ブームが起こる。アルプス以北との交流が盛んになり、音楽家、楽器がヨーロッパ中の教会、宮廷に広まっていった時代でもある。楽譜印刷は貿易産業として国際的に重要で、これは17世紀後半に入るとアントワープ、アムステルダムに中心が移っていくこととなる。1600年ごろ、”第2の作法” モノディー様式が、各声部が対等に扱われるルネサンス後期のポリフォニーに代わり全く新しい芸術としてもてはやされるようになる。”言葉 （歌詞）に忠実なしもべ”としての、より劇的な表現を追求した初期モノディーは、対位法的な興味を全て犠牲にしたものだったが、1650年ごろになると過剰な表現を抑制／体系化する動きが強くなる。19世紀終わりにまで渡っての作曲の基盤となる和声システムの発展と並行して、17世紀終わりには様式の均等化の試みが見られ、旋法的ポリフォニーが次第に和声的対位法に溶け込んでいく。のちにジャン・ジャック・ルソーが ”和声が混乱し、転調と不協和音で満たされている”（音楽事典、1768年）と評したように、様々な試みがなされた多様でワイルドな時代であった。
この”発明された”モノディー様式と共に、バロック音楽における特色の一つである通奏低音の慣習も17世紀を通して体系化されていく。16世紀後半に、マドリガルやモテットの演奏の際、欠けている声部や弱い声部を補う伴奏法が広まった。対位法の最上部は独唱として劇的で表情豊かに演奏されるようになり、他のパートは器楽奏者（オルガン、チェンバロ、アーチリュート等）が受け持つようになる。こうして、数字付き低音という簡略化されたシステムが確立した。数字付き低音（バッソ・コンティヌオ）が記された最初のものは1600年の出版だが、実際のところは歌手の伴奏の慣習として、宮廷や教会の音楽家によく知られていたのである。通奏低音は1680年ごろにはヨーロッパ中に広まり、バロック時代のみならず、特に教会音楽においては19世紀まで使用された。
最新のイタリアのスタイル”モノディー様式”と並行して、古いスタイルである厳格な対位法”スティレ・アンティコ” -パレストリーナ様式- は、生きた伝統として現代にまで重要視されている。この二つの様式から、特に器楽曲で発展した調的対位法が17世紀に現れる。通奏低音の和声的なテクスチャー、長・短調システム、不協和音のさらに自由な使用法、フィグレーション（音型の使用による旋律・和声進行の装飾）などによって、調的対位法は整えられていった。コレッリの後期ソナタに見られるような、調性に根ざしたフーガ的な書法がここに成立する。
17世紀におけるヴァイオリン音楽と楽曲形式の発展
モノディー様式の誕生と共にルネサンス後期から独立したジャンルとして認められ始めた器楽音楽は、17世紀にさらに発展し、独自の音楽形式を築いていく。17世紀初頭において、ソナタという言葉はカンツォーナ、シンフォニア、カプリッチョ、コンチェルトといった言葉と同様、器楽曲という意味で用いられていた。この頃のソナタは性格の違う幾つかの部分からなる、単一楽章形式である。ヴェネチアはそのサンマルコ大聖堂を中心とした音楽活動で、また楽譜出版業や楽器製作において、17世紀前半までにおけるヨーロッパ音楽界の最先端をいく街であった。この時期に出版されたヴェネチアの作品には、多数のオルガン音楽、そして合奏のための”独立した”器楽曲（ソナタやカンツォーナといった曲も含まれる）がある。これらはおそらく教会儀式で、前奏曲あるいは後奏曲として使用されたと思われる。音楽家たちは至る所で行われる特別行事のため、また宗教奉仕団体（スクオーラ）での様々な行事において、高度な演奏を要求された。
ビアージョ・マリーニの作品8、ジョバンニ・バッティスタ・フォンターナの1641年に出版された器楽曲集、マルコ・ウッチェリーニの作品4はこのような背景におけるヴェネチアでの出版である。
ビアージョ・マリーニ（1594-1663）はヴェネチアにおけるヴァイオリン奏者の第一人者であった。ブレシア出身のマリーニは叔父から教育を受け、フォンターナの弟子でもあったと言われる。モンテヴェルディが1615年にヴェネチアのサンマルコ大聖堂の楽長に就任した際、まず雇ったのがマリーニであった。同様にブレシア生まれのジョバンニ・バッティスタ・フォンターナ（1589-1631）はヴァイオリンのヴィルトゥオーゾとしてヴェネチア、ローマ、パドゥアで活躍する。現在残っている唯一の作品集（1641年）には様々な編成による18曲の器楽曲が収められているが、特に独奏楽器のために書かれたソナタは、マリーニの作品と並んでソロパートを通奏低音の土台の上に自由に展開したソナタ発展上の最初の試みとして注目される。マルコ・ウッチェリーニ（c.1610-1680）はフォルリンポポリで生まれ、1639年までにすでに2冊の作品集を出版。モデナのエステ家宮廷、大聖堂で活躍後パルマに移り、器楽曲の他に劇音楽も作曲、マリーニ、フォンターナといった先人たちの作風から、さらに表現豊かなスタイルを確立する。3オクターブに至る音域、カノン技法、遠隔への転調、半音階技法の使用でヴァイオリン音楽の可能性を広めた。
マントヴァ出身のカルロ・ファリーナ（c.1600-1639）は1625年、ハインリヒ・シュッツ率いる独・ドレスデンの宮廷楽団に迎えられる。記録では1628年まではドレスデンに滞在したようであるが、この間に計5冊の作品集を出版する。その後、ドイツ、イタリアの宮廷を転々とし、1639年にウィーンで没する。マントヴァ／ゴンザーガ家の宮廷は小さいながら当時のイタリアのなかで最も進んだ音楽都市のひとつとして名高く、ルネサンス時代から最良の音楽家を採用していた。クラウディオ・モンテヴェルディは1601年から1612年までここの宮廷楽長を務めている。こうした音楽的伝統を受け継ぎながらドイツの様式も取り入れた彼の作曲技法はヴァイオリンソナタにもよく現れている。重音奏法、音域のさらなる拡張、音の跳躍や素早いポジション移動といった技巧、また標題音楽の書法は、アルプス以北のヨハン・ショップ、ハインリヒ・シュメルツァー、ハインリヒ・イグナーツ・ビーバー、ヨハン・ヤコブ・ヴァルター、ヨハン・パウル・ヴェストホーフといった一流のヴァイオリニスト達に大きな影響を与える。
1624年にイタリア・トスカーナ地方のモンテプルチアーノに生まれたジョバンニ・アントニオ・パンドルフィ・メアーリ（1624-c.1687）の名は、1660年インスブルックに見られる。領主フェルディナンド・カール・フォン・エスターライヒ夫妻はドイツ語圏で最初のオペラ劇場を作ったほどの音楽愛好家であり、数多くの音楽家が作品を献呈している。高名なヴァイオリン製作者ヤコブ・シュタイナーも1658年から宮廷に仕えていた。メアーリはそこで1665年までヴァイオリニストとして活躍したようで、作品3、4（1660）はインスブルックでの出版であった。表現に富んだ作風には明らかに”Stylus Phantasticus"（スティルス・ファンタスティクス：器楽の劇的な即興様式。17世紀初頭にイタリアで使用され、のちにドイツ語圏にも広まる。半音階技法、不協和音の効果的な使用、トッカータなどに見られる即興的パッセージの使用など。バッハの半音階的幻想曲もその一例である。）の概念が見られる。
17世紀半ばになるとソナタは単楽章形式から複楽章に分かれていき、室内ソナタ、教会ソナタという2種の形態を取るようになる。緩-急-緩-急という構成をとる教会ソナタに対して、室内ソナタはフランスの組曲形式からの影響を受け、前奏の後に舞踏形式が続くと定義される。しかし、音楽が奏された場所、状況によってはその区別は曖昧である。30年戦争（1618-1648）、度重なるペストの流行（前述のファリーナはペストに罹患し没している）の影響を受けず勢力を維持し続けたのは、キリスト教会である。その中心ローマは、ヨーロッパ随一の芸術の都として栄えた。教皇、ヴァチカン、他の教会／信心会のみならず、貴族、他国からの王族（スウェーデンのクリスティーナ女王、ポーランドのマリア・カジミエシュ女王）がパトロンとなり、活発な音楽活動が展開される。
特にヴァチカンはその絶対的権力をもって時には個人の音楽生活をも支配し、”背徳と道徳的混乱の温床である” オペラの上演を禁止することも度々であった。
教会音楽家、オルガニスト、理論家として活躍したアンジェロ・ベラルディ（c.1636-1694）は数多くの理論書、教会音楽を残しているが、現存している器楽音楽は1670年にボローニャで出版された作品集作品7のみである。メアーリのソナタと同様、カンツォーネ、シンフォニアと題された彼の器楽曲は様々な性格の部分が繋がった形式である。各部分にはしかし明確なテンポ／曲想の表示があり、旋法と調性の融合、新旧の技法を組み合わせる試みが見られる。アレッサンドロ・ストラデッラ（1639-1682)、カルロ・アンブロジオ・ロナーティ（c.1645-c.1712）はローマで活躍した、コレッリの一世代前の音楽家達である。早くに父親を亡くしたストラデッラは、兄弟とともに母に連れられてローマにやってくる。そこで音楽教育を受け、次第に作曲家として知られるようになる。1655年にローマに到着し、以来高度な文化サロン（アッカデミア）を主催していたスウェーデン女王クリスティーナのもとで、ストラデッラはロナーティと出会う。ナポリで歌手、ヴァイオリニストとして活動していたロナーティは1668年ごろローマにやってきたが、遅くとも1673年にはこの女王に仕えるようになり、”Il Gobbo della Regina "（女王のせむし男）というあだ名で呼ばれていた。
1675年、教皇クレメンス10世はすべての劇場活動の禁止令を出すが、ストラデッラは今度はオラトリオ、カンタータなどの教会音楽作曲で名声を得る。1676年、ストラデッラはスキャンダル発覚でローマを余儀なく去ることになり、まずヴェネチアに向かう。そこで歌の生徒と駆け落ち、2人でトリノに逃げるが刺客に狙われ、さらにジェノバへ向かうことになる。ジェノバの貴族達の歓待を受け、ここの劇場に1677年から働いていたロナーティと再会、ローマ以来の親密な関係がつづく。が、ストラデッラは1681年に暗殺される。その後ロナーティはミラノにその死まで滞在した。ストラデッラは当時としては例外的にフリーランス音楽家として、多方面に渡る創作活動を続けた。そこには新しいスタイルに常に挑戦する姿勢が見られる。例えば、コレッリに先立って独奏と合奏のコントラストを手段とするコンチェルト・グロッソの様式を取り入れた。
現存する12曲のヴァイオリンと通奏低音のためのシンフォニアは、教会ソナタ形式を取っている。4楽章形式が多いが、舞曲の楽章を加えたものも多い。楽章は切り離されていないが、テンポ・拍子によってはっきり区別されている。
一方ジェミニアーニの師であったとも言われるロナーティの1701年のソナタ集は、彼のヴァイオリニストとしての活動の集大成ともいえよう。ドイツ・オーストリアの高度なヴァイオリン技法を取り入れた書法で、のちにフランチェスコ・ヴェラチーニは”今世紀一のヴァイオリニスト”と褒め称えている。彼のソナタでは各楽章の区分がはっきり記されている。
アルカンジェロ・コレッリ（1653-1713）は、当時ヨーロッパ全土に名を馳せた巨匠である。1670年ごろにボローニャのアカデミア・フィルハルモニカのメンバーになり、ボローニャ楽派に属する著名なヴァイオリニスト達のもとで研鑽を積む。1675年にローマにやってきた彼は、オペラ禁止令の中で盛んであった教会音楽にまず参加。教会や各宗教団体、また枢機卿（コロンナ、オットボーニ、パンフィーリ）、貴族（ルスポーリ公）、他国からの王族（スウェーデン女王クリスティーナ、ポーランド女王マリア・カジミエシュ）といった個人の音楽保護者のもとでの、ローマ特有の”聖”と”俗”の音楽活動における、中心的存在となっていく。1677年にはスウェーデン女王クリスティーナにロナーティの後任として仕え、そこでアレッサンドロ・スカルラッティと知り合う。また1690年から1713年にかけてはオットボーニ卿に指揮者として雇われていた。彼の出版物は6つの曲集のみと極めて少ないが、12のヴァイオリンソナタ集作品５（1700）はイタリア、パリ、アムステルダム、ロンドンで急速に発展した出版産業を通してヨーロッパ各地にベストセラーとして広まる。それまでに確立されていた形式に従いながら、声楽的なベルカント旋律や、不協和音を効果的に用いた対位法による厚い響きは、生前に15もの版を出すほどのヒットとなる。18世紀中にはまた様々なアレンジも出版された。弟子ジェミニアーニによるコンチェルト・グロッソへの編曲もそのひとつである。当時の音楽家達がソロパートに装飾を施したものも多数残っている。音楽が産業として成り立っていたロンドンにおいては、ジェミニアーニ、ヨハン・ヘルミク・ルーマン、またヘンデルのメサイア初演でコンサートマスターを務めたアイルランド・ダブリンのデゥボーグといったヴァイオリニスト達の装飾版が残されている。
当時の音高について
ピッチ（音高。現在では1939年に国際会議で定められたa´=440Hzが基準として使われることが多い。）は、社会的・政治的背景を反映したものであった。当時製作されたオルガン、管楽器などの音高や残されている記述から、その変動の歴史が研究されている。17世紀前半の楽器製作の中心であったヴェネチアでは464Hz前後と現在よりも約半音高いものであった。このピッチはイタリアの楽器、音楽家が各国に広まるにつれ、先方の教会、宮廷に導入される。例えばシュッツが率いるドレスデンの宮廷においてもこの高いピッチが使われていた。
しかし歌手にとってこのピッチは高すぎることが多く、”tuono corista“と呼ばれる器楽より一音低いピッチも同時に存在していた。
イタリアの中でもピッチは地方によって様々で、ローマでは390Hz～394Hzと現在より一音低い一方で、ミラノのオルガンのピッチは495Hzであった（器楽ではヴェネチアと同じく464Hz前後であった）。1670年ごろからフランスの国際的な台頭に従ってフランス音楽文化がヨーロッパに急速に広まり、弦、管楽器にフランスの低ピッチ（380Hz～392Hz）を用いる宮廷が増える。
イギリスではピッチにおいて独自のシステムが存在した。18世紀前半の、例えばヘンデルのオーケストラのピッチは423Hzだったという。
本日の演奏プログラムは、前半は17世紀前半のヴェネチア／またその影響下にあった作品、後半は17世紀後半のローマを中心とした作品を、またコレッリの演奏例として、18世紀前半のデゥボーグの装飾（1725年ごろ）を取り上げた。複数の楽器での実現が困難なため、”妥協” として415Hzでの演奏である。（阿部千春）
阿部千春（バロックヴァイオリン） Chiharu ABE, baroque violin
５歳よりヴァイオリンを始める。塩川庸子氏、尾島綾子氏、前澤均氏、金倉英男氏、村上和邦氏、菊地俊一氏に師事。武蔵野音楽大学卒業後、ドイツ・シュツットガルト国立音楽大学でスザンネ・ラウテンバッハー氏に師事。在日中より菊地俊一氏、永田仁氏を通して古楽に関心を持っており、1994年トロッシンゲン国立音楽大学古楽科に入学、バロックヴァイオリンをジョルジオ・ファヴァ氏に師事。ディプロム終了後、同大学院にてフランソワ・フェルナンデス、エンリコ・ガッティ、ジョン・ホロウェイ各氏のもとで研鑽を積む。1999年、ドイツ産業連盟・ドイツ財界文化部主催の”古楽・弦楽器コンクール”にて特別奨励賞を受賞。2000年、大学院修了後、スコラカントルム・バジリエンスィス（バロックヴァイオリン、ヴィオラ・ダモーレ）、ケルン国立音楽大学（古楽科室内楽専攻）に在籍。在学中より、オーケストラ／室内楽奏者、ソリストとして数多くの演奏会、CD、各地放送局の録音に参加、ヨーロッパ各国に活動範囲を広げる。2000年秋、ミシェル・コルボ氏の来日公演にて、マタイ受難曲の第２コンサートマスターを努めコルボ氏の絶賛を受ける。以来、日本にてリサイタル活動も始める。現在、ドイツ・ケルンに在住。コンチェルトケルン他において活動。ヴィオラ・ダモーレ奏者としても活動。国内においては2009年から2012年にかけて大井浩明氏とのモーツァルト・ヴァイオリンソナタ全曲シリーズを完結。 Foto: (C) Yamato Hasumicf.モーツァルト：ヴァイオリン・ソナタ集（阿部千春＋大井浩明） （クラシカル・ヴァイオリンとフォルテピアノによる全曲チクルス） 第一回（パリ・ソナタ集 K.301-306） [2009.07.25]、 第二回（アウエルンハンマー・ソナタ集 K.296, K.376-380） [2010.10.13]、 第三回（K.359/360/404/454/481/526/547） [2012.2.10]
